เครื่องดนตรีชิ้นแรกที่ค้นพบคือขลุ่ยกระดูกเมื่อ 35,000 ปีก่อน แม้ว่ามนุษย์จะร้องเพลงก่อนหน้านั้นนาน เมื่อเวลาผ่านไป ความเข้าใจเกี่ยวกับวิธีการทำดนตรีก็เติบโตขึ้น แม้ว่าคุณไม่จำเป็นต้องเข้าใจทุกอย่างเกี่ยวกับมาตราส่วนดนตรี จังหวะ เมโลดี้ และความกลมกลืนเพื่อสร้างผลงานทางดนตรี แต่การเข้าใจแนวคิดบางอย่างจะช่วยให้คุณชื่นชมดนตรีมากขึ้นและสร้างเพลงได้ดีขึ้น
ขั้นตอน
ส่วนที่ 1 จาก 4: เสียง โน้ต และมาตราส่วน
ขั้นตอนที่ 1. ทำความเข้าใจความแตกต่างระหว่าง “ระดับเสียง” และ “หมายเหตุ”
'' '' '' คำนี้อธิบายคุณภาพของเสียงเพลง แม้ว่าทั้งสองคำจะมีความเกี่ยวข้องกัน แต่ก็ใช้ต่างกัน
- "Pitch" เกี่ยวข้องกับความถี่ต่ำหรือสูงของเสียง ยิ่งความถี่สูงเท่าใด ระดับเสียงก็จะยิ่งสูงขึ้นเท่านั้น ความแตกต่างของความถี่ระหว่างสองพิทช์เรียกว่า "ช่วง"
- "ไม่" คือระดับเสียงของสนาม ความถี่ทั่วไปสำหรับโน้ตระหว่าง A และ C คือ 440 เฮิรตซ์ แต่ออร์เคสตราบางวงใช้มาตรฐานที่แตกต่างกัน เช่น 443 เฮิรตซ์ เพื่อให้เสียงชัดเจนขึ้น
- คนส่วนใหญ่สามารถระบุได้ว่าโน้ตจะเล่นได้ดีที่สุดเมื่อจับคู่กับโน้ตอื่นหรือในชุดโน้ตในเพลงที่พวกเขารู้จัก สิ่งนี้เรียกว่า "ระดับเสียงสัมพัทธ์" ในขณะเดียวกัน ไม่กี่คนที่มี "ระดับเสียงสัมบูรณ์" หรือ "ระดับเสียงที่สมบูรณ์แบบ" ซึ่งเป็นความสามารถในการระบุโน้ตโดยไม่ต้องฟังการอ้างอิง
ขั้นตอนที่ 2. ทำความเข้าใจความแตกต่างระหว่าง “timbre” และ “tone”
“”” คำนี้มักใช้สำหรับเครื่องดนตรี
- “Timbre” เป็นการผสมผสานระหว่างโน้ตหลัก (พื้นฐาน) และด้านหลัง (โอเวอร์โทน) ที่ส่งเสียงเมื่อเครื่องดนตรีเล่นโน้ต เมื่อคุณดีด E ที่ต่ำบนกีตาร์โปร่ง คุณจะได้ยินไม่เพียงแค่เสียง E ต่ำเท่านั้น แต่ยังได้ยินโน้ตพิเศษที่เกิดจากความถี่ E ต่ำนั้นด้วย การรวมกันของเสียงเหล่านี้เรียกว่า "ฮาร์โมนิก" และเป็นสิ่งที่ทำให้เสียงของเครื่องดนตรีแตกต่างจากเครื่องดนตรีอื่นๆ
- “โทน” เป็นคำที่คลุมเครือมากกว่า นี่หมายถึงเอฟเฟกต์ของการผสมผสานระหว่างโน้ตหลักและโน้ตด้านหลังบนหูของผู้ฟัง โดยเพิ่มระดับเสียงสูงของโน้ตในเสียงต่ำ ส่งผลให้โทนเสียงเบาหรือคมชัดขึ้น แต่ถ้าลดเสียงที่ลดลงจะนุ่มนวลขึ้น
- “โทน” ยังหมายถึงช่วงเวลาระหว่างโน้ตสองตัว ซึ่งเรียกอีกอย่างว่าจังหวะเต็ม ครึ่งหนึ่งของช่วงนั้นเรียกว่า “เซมิโทน” หรือครึ่งก้าว
ขั้นตอนที่ 3 ตั้งชื่อโน้ต
โน้ตดนตรีสามารถตั้งชื่อได้หลายวิธี มีสองวิธีที่ใช้กันทั่วไปในประเทศตะวันตกส่วนใหญ่
- ชื่อตัวอักษร: หมายเหตุภายในความถี่ที่กำหนดจะมีการกำหนดชื่อตัวอักษร ในประเทศที่ใช้ภาษาอังกฤษและภาษาดัตช์ โน้ตจะเรียงลำดับจาก A ถึง G ในประเทศที่พูดภาษาเยอรมัน "B" ใช้สำหรับโน้ต B แบบแบน (คีย์เปียโนสีดำระหว่าง A และ B) และตัวอักษร "H" ถูกกำหนดไว้สำหรับ B major (คีย์ B สีขาวบนเปียโน)
- Solfeggio (เรียกทั่วไปว่า “solfege” หรือ “sofeo”): ระบบนี้เป็นที่รู้จักของแฟนเพลง “The Sound of Music” โดยจะกำหนดชื่อพยางค์เดียวให้กับโน้ต โดยพิจารณาจากตำแหน่งบนมาตราส่วน ระบบนี้ได้รับการพัฒนาโดยพระสงฆ์ในศตวรรษที่ 11 ชื่อ Guido d'Arezzo โดยใช้ "ut, re, mi, fa, sol, la, si" ที่นำมาจากบทเพลงของนักบุญยอห์นผู้ให้บัพติศมา เมื่อเวลาผ่านไป "ut" ถูกแทนที่ด้วย "do" จากนั้น "sol" ถูกแทนที่ด้วย "so" และ "ti" ถูกแทนที่ด้วย "si" (บางประเทศใช้ชื่อ solfeggio เช่นเดียวกับระบบตัวอักษรในภาษาตะวันตก ประเทศ.)
ขั้นตอนที่ 4 จัดเรียงลำดับบันทึกย่อลงในมาตราส่วน
มาตราส่วนคือลำดับของช่วงห่างระหว่างพิตช์ต่างๆ ซึ่งจัดวางเพื่อให้พิทช์สูงสุดอยู่ที่ระยะห่างสองเท่าของความถี่ของพิตช์ต่ำสุด ระดับพิทช์นี้เรียกว่าอ็อกเทฟ ต่อไปนี้เป็นเครื่องชั่งทั่วไป:
- สเกลสีเต็มใช้ช่วงครึ่งก้าว 12 ช่วง การเล่นเปียโนระดับอ็อกเทฟจาก C ถึง C ที่สูงกว่า และกดคีย์สีขาวและสีดำระหว่างนั้นทำให้เกิดสเกลสี มาตราส่วนอื่นเป็นรูปแบบที่จำกัดกว่าของมาตราส่วนนี้
- มาตราส่วนหลักใช้เจ็ดช่วง: ขั้นแรกและขั้นที่สองเต็มขั้น ที่สามคือครึ่งก้าว ที่สี่ ห้า และหก เต็มขั้น และที่เจ็ดเป็นครึ่งก้าว การเล่นเปียโนระดับอ็อกเทฟจาก C ถึง high C โดยเสียงเรียกเข้าเฉพาะคีย์สีขาวเป็นตัวอย่างของสเกลหลัก
- มาตราส่วนรองยังใช้เจ็ดช่วง รูปแบบทั่วไปคือมาตราส่วนรองตามธรรมชาติ ช่วงแรกเป็นขั้นตอนเต็ม แต่ช่วงที่สองเป็นขั้นตอนครึ่ง ช่วงที่สามและสี่เป็นขั้นตอนเต็ม ช่วงที่ห้าเป็นขั้นตอนครึ่ง จากนั้นช่วงที่หกและเจ็ดเป็นช่วงเต็ม การเล่นเปียโนระดับอ็อกเทฟจาก A ถึง A ต่ำ เสียงเรียกเข้าเฉพาะคีย์สีขาวเป็นตัวอย่างของสเกลไมเนอร์
- มาตราส่วนเพนทาโทนิกใช้ช่วงเวลาห้าช่วง ช่วงแรกเป็นช่วงเต็ม ก้าวต่อไปเป็นครึ่งก้าวสามก้าว ช่วงที่สามและสี่เป็นก้าวเต็ม และช่วงที่ห้าเป็นสามก้าวครึ่ง (ในคีย์ของ C โน้ตที่ใช้คือ C, D, F, G, A จากนั้นกลับไปที่ C) คุณยังสามารถเล่นมาตราส่วนเพนทาโทนิกได้โดยเพียงแค่กดปุ่มสีดำระหว่าง C และ High C บนเปียโน มาตราส่วนเพนทาโทนิกมักใช้ในดนตรีแอฟริกัน เอเชียตะวันออก และอเมริกันพื้นเมือง เช่นเดียวกับในดนตรีพื้นบ้าน/พื้นบ้าน
- โน้ตที่ต่ำที่สุดในสเกลเรียกว่า "คีย์" โดยปกติแล้ว โน้ตตัวสุดท้ายในเพลงคือคีย์โน้ตของเพลง เพลงที่เขียนด้วยคีย์ของ C มักจะลงท้ายด้วยคีย์ของ C ชื่อคีย์มักจะขึ้นอยู่กับพื้นที่ของสเกลการเล่นเพลง (หลักหรือรอง); เมื่อไม่ได้ระบุชื่อมาตราส่วน โดยปกติแล้วจะถือว่าเป็นมาตราส่วนหลักในทันที
ขั้นตอนที่ 5. ใช้ของมีคมและไฝเพื่อเพิ่มและลดระดับเสียง
คมและไฝจะเพิ่มและลดระดับเสียงลงครึ่งก้าว Sharps and moles มีความสำคัญมากเมื่อเล่นคีย์อื่นที่ไม่ใช่ C major หรือ A minor เพื่อให้รูปแบบช่วงเวลาของมาตราส่วนหลักและรองถูกต้อง Sharps และ moles เขียนบนเส้นดนตรีในสัญญาณที่เรียกว่าเครื่องหมายโดยบังเอิญ
- สัญลักษณ์ที่คมชัดมักเขียนด้วยสัญลักษณ์รั้ว (#) ซึ่งมีประโยชน์สำหรับการเพิ่มโทนเสียงครึ่งขั้น ในคีย์ของ G major และ E minor นั้น F ถูกยกขึ้นครึ่งขั้นเพื่อให้กลายเป็น F Sharp
- สัญลักษณ์ไฝมักจะเขียนด้วยสัญลักษณ์ "b" ซึ่งมีประโยชน์ในการลดระดับเสียงลงครึ่งหนึ่ง ในคีย์ F major และ D minor, B ลดลงครึ่งขั้นตอนเพื่อให้กลายเป็น B ไฝ
- เพื่อให้อ่านเพลงได้ง่ายขึ้น โน้ตดนตรีจะมีข้อบ่งชี้เสมอว่าควรเพิ่มหรือลดโน้ตในคีย์บางคีย์เสมอ ควรใช้โดยบังเอิญสำหรับโน้ตที่อยู่นอกคีย์หลักหรือคีย์รองของเพลงที่เขียน เหตุบังเอิญดังกล่าวจะใช้สำหรับโน้ตบางตัวเท่านั้นก่อนที่เส้นแนวตั้งจะแยกจังหวะ
- ใช้สัญลักษณ์ธรรมชาติซึ่งดูเหมือนสี่เหลี่ยมด้านขนานที่มีเส้นแนวตั้งลากขึ้นและลงจากสองบรรทัด นำหน้าโน้ตใดๆ ที่จะยกขึ้นหรือลง เพื่อระบุว่าไม่ควรวางโน้ตลงในเพลง สัญลักษณ์ธรรมชาติจะไม่แสดงในสัญลักษณ์หลัก แต่สามารถยกเลิกเอฟเฟกต์คมชัดหรือโมลในจังหวะของเพลงได้
ส่วนที่ 2 จาก 4: จังหวะและจังหวะ
ขั้นตอนที่ 1. ทำความเข้าใจความแตกต่างระหว่าง “จังหวะ” “จังหวะ” และ “จังหวะ”
“”” มีความเกี่ยวข้องระหว่างข้อกำหนดเหล่านี้
- บีต” หมายถึง การเต้นของแต่ละคนในดนตรี จังหวะสามารถกำหนดเป็นเสียงบันทึกหรือช่วงเวลาแห่งความเงียบที่เรียกว่าการหยุดชั่วคราว จังหวะสามารถแบ่งออกเป็นหลายโน้ต หรือหลายจังหวะสามารถใส่ในโน้ตเดี่ยวหรือหยุดชั่วคราวได้
- “จังหวะ” คือลำดับของจังหวะหรือจังหวะ จังหวะถูกกำหนดโดยวิธีการจัดเรียงโน้ตและการหยุดชั่วคราวในเพลง
- "จังหวะ" หมายถึงการเล่นเพลงเร็วหรือช้า จังหวะของเพลงที่เร็วขึ้นหมายถึงการเต้นต่อนาทีมากขึ้น “The Blue Danube Waltz” มีจังหวะที่ช้า ในขณะที่ “The Stars and Stripes Forever” มีจังหวะที่รวดเร็ว
ขั้นตอนที่ 2 เต้นเป็นกลุ่มเป็นจังหวะ
จังหวะคือชุดของจังหวะ แต่ละจังหวะมีจำนวนครั้งเท่ากัน จำนวนครั้งต่อจังหวะเป็นการบ่งชี้เพลงที่เขียนพร้อมการประทับเวลา ซึ่งดูเหมือนเศษส่วนโดยไม่มีเส้นที่ใช้กำหนดตัวเศษและตัวส่วน
- ตัวเลขด้านบนระบุจำนวนครั้งต่อครั้ง ตัวเลขมักจะเป็น 2, 3 หรือ 4 แต่บางครั้งอาจถึง 6 หรือสูงกว่า
- ตัวเลขด้านล่างระบุประเภทของโน้ตที่มีจังหวะเต็ม เมื่อตัวเลขด้านล่างคือ 4 โน้ตไตรมาส (ดูเหมือนวงรีเปิดที่มีเส้นต่ออยู่) จะเป็นจังหวะเต็ม เมื่อตัวเลขด้านล่างเป็น 8 โน้ตตัวที่แปด (ดูเหมือนโน้ตหนึ่งในสี่ที่ติดธง) จะได้รับจังหวะเต็ม
ขั้นตอนที่ 3 มองหาจังหวะที่เครียด
จังหวะจะถูกกำหนดขึ้นอยู่กับประเภทของจังหวะที่กดไม่ใช่จังหวะของเพลง
- หลายเพลงมีจังหวะที่กดในจังหวะแรกหรือตอนต้นของเพลง จังหวะที่เหลือหรือจังหวะอัพจะไม่ถูกเน้น แม้ว่าในเพลงสี่จังหวะ จังหวะที่สามอาจถูกเน้น แต่ในระดับที่น้อยกว่าจังหวะดาวน์บีต บีตเน้นเสียงบางครั้งเรียกว่าบีตหนักๆ ในขณะที่บีตไม่หนักบางครั้งเรียกว่าบีตอ่อน
- บางเพลงตีจังหวะแทนตอนต้นเพลง การเน้นประเภทนี้เรียกว่าการซิงโครไนซ์และบีตที่ถูกระงับอย่างแรงเรียกว่าแบ็คบีต
ตอนที่ 3 ของ 4: เมโลดี้ ฮาร์โมนี่ และคอร์ด
ขั้นตอนที่ 1. เข้าใจเพลงตามทำนอง
“เมโลดี้” เป็นชุดโน้ตในเพลงที่ผู้คนสามารถได้ยินได้ชัดเจน โดยอิงจากระดับเสียงของโน้ตและจังหวะที่เล่น
- ทำนองประกอบด้วยวลีต่างๆ ที่ประกอบเป็นจังหวะของเพลง วลีนี้สามารถทำซ้ำได้ตลอดทั้งทำนอง เช่นเดียวกับในเพลงคริสต์มาส "Deck the Halls" โดยที่บรรทัดแรกและบรรทัดที่สองของเพลงใช้ลำดับโน้ตเดียวกัน
- โครงสร้างของเพลงไพเราะมาตรฐานมักจะเป็นหนึ่งทำนองสำหรับหนึ่งกลอนและทำนองที่สอดคล้องกันในคอรัสหรือคอรัส
ขั้นตอนที่ 2 รวมท่วงทำนองและความสามัคคี
“Harmony” เป็นโน้ตที่เล่นนอกทำนองเพื่อขยายหรือต่อต้านเสียง ดังที่กล่าวไว้ก่อนหน้านี้ เครื่องสายหลายตัวสร้างโน้ตหลายตัวเมื่อดีด โน้ตเพิ่มเติมที่เสียงด้วยโทนเสียงพื้นฐานเป็นรูปแบบของความกลมกลืน สามารถรับความสามัคคีได้โดยใช้คอร์ดดนตรี
- เสียงประสานที่ขยายเสียงไพเราะเรียกว่า "พยัญชนะ" โน้ตพิเศษที่ฟังพร้อมกับโน๊ตฐานเมื่อดึงสายกีต้าร์เป็นรูปแบบของพยัญชนะที่กลมกลืนกัน
- ฮาร์โมนีที่อยู่ตรงข้ามกับท่วงทำนองเรียกว่า “ไม่สอดคล้องกัน” ความกลมกลืนกันสามารถสร้างขึ้นได้โดยการเล่นท่วงทำนองตรงข้ามในเวลาเดียวกัน เช่น เมื่อร้องเพลง "Row Row Row Your Boat" เป็นวงกลมขนาดใหญ่ โดยแต่ละกลุ่มจะร้องเพลงในเวลาต่างกัน
- หลายเพลงใช้ความไม่ลงรอยกันเพื่อแสดงความรู้สึกกระสับกระส่ายและค่อยๆ นำไปสู่ความกลมกลืนของพยัญชนะ ตัวอย่างเช่น ในเพลง "Row Row Row Your Boat" ด้านบน เมื่อแต่ละกลุ่มร้องเพลงท่อนสุดท้าย เพลงจะเงียบลงจนกว่ากลุ่มสุดท้ายจะร้องเพลง "Life is but a dream."
ขั้นตอนที่ 3 กองบันทึกเพื่อสร้างคอร์ด
คอร์ดจะเกิดขึ้นเมื่อมีการบันทึกเสียงโน้ตสามตัวขึ้นไป โดยปกติแล้วจะพร้อมๆ กัน แม้ว่าจะไม่ใช่แบบนั้นเสมอไป
- คอร์ดที่ใช้บ่อยที่สุดคือ Triads (ซึ่งประกอบด้วยโน้ตสามตัว) โดยแต่ละโน้ตที่ต่อเนื่องกันจะมีโน้ตที่สูงกว่าโน้ตก่อนหน้า 2 ตัว ในคอร์ดหลัก C โน้ตที่อยู่ในนั้นคือ C (เป็นพื้นฐานของคอร์ด), E (หลักที่สาม) และ G (หลักที่ห้า) ในคอร์ด C minor นั้น E จะถูกแทนที่ด้วย E ที่คมชัด (ตัวรองที่สาม)
- คอร์ดที่ใช้บ่อยอีกอันคือคอร์ดที่ 7 (7) โดยเพิ่มโน้ตตัวที่สี่ลงในโน้ตสาม ซึ่งเป็นโน้ตตัวที่เจ็ดของโน้ตเบส คอร์ด C Major 7 เพิ่ม B ให้กับ C-E-G triad เพื่อสร้างลำดับ C-E-G-B คอร์ดที่เจ็ดฟังดูไม่สอดคล้องกันมากกว่าสาม
- เป็นไปได้ที่จะใช้คอร์ดที่แตกต่างกันสำหรับโน้ตแต่ละตัวในเพลง นี่คือสิ่งที่สร้างความสามัคคีสไตล์สี่ร้านตัดผม อย่างไรก็ตาม คอร์ดมักจะจับคู่กับโน้ตที่พบในคอร์ดเหล่านั้น เช่น การเล่นคอร์ด C major ควบคู่ไปกับโน้ต E ในทำนอง
- หลายเพลงเล่นด้วยสามคอร์ดเท่านั้น คอร์ดพื้นฐานในระดับที่หนึ่ง ที่สี่ และห้า คอร์ดนี้ใช้แทนด้วยเลขโรมัน I, IV และ V ในคีย์ C major จะเป็น C major, F major และ G major บางครั้งคอร์ดที่ 7 จะถูกแทนที่ด้วยคอร์ด V major หรือ minor ดังนั้นเมื่อเล่น C major คอร์ด V จะกลายเป็น G major 7
- คอร์ด I, IV และ V เชื่อมต่อกันระหว่างคีย์ต่างๆ คอร์ด F major คือคอร์ด IV ในคีย์ C major คอร์ด C major คือคอร์ด V ในคีย์ F major คอร์ด G major เป็นคอร์ด V ในคีย์ C major แต่คอร์ด C major เป็นคอร์ด IV ในคีย์ G major ความสัมพันธ์ระหว่างคีย์เหล่านี้ยังคงดำเนินต่อไปในคอร์ดอื่นๆ และสร้างขึ้นในไดอะแกรมที่เรียกว่า Circle of Fives
ส่วนที่ 4 จาก 4: ประเภทของเครื่องดนตรี
ขั้นตอนที่ 1. ตีเครื่องเพอร์คัชชันเพื่อผลิตเพลง
เครื่องเพอร์คัชชันถือเป็นเครื่องดนตรีที่เก่าแก่ที่สุด เครื่องเคาะส่วนใหญ่จะใช้เพื่อสร้างและรักษาจังหวะ แม้ว่าเครื่องเคาะบางประเภทจะสามารถสร้างท่วงทำนองหรือเสียงประสานได้
- เครื่องเพอร์คัชชันที่สร้างเสียงโดยการสั่นทั้งตัวเรียกว่าไอดิโอโฟน เหล่านี้เป็นเครื่องดนตรีที่ตีด้วยกัน เช่น ฉาบและเกาลัด และเครื่องดนตรีที่ตีด้วยเครื่องดนตรีอื่นๆ เช่น กลอง สามเหลี่ยม และระนาด
- เครื่องเพอร์คัชชันที่มี "ผิวหนัง" หรือ "หัว" ที่สั่นสะเทือนเมื่อถูกกระทบ เรียกว่า เมมเบรน เครื่องดนตรีที่มีกลอง เช่น ทิมปานี ทอม-ทอม และบองโกส ในทำนองเดียวกันกับเครื่องดนตรีที่มีสายหรือไม้คล้องและสั่นเมื่อดึงหรือลูบ เช่น เสียงคำรามของสิงโตหรือกุยกา
ขั้นตอนที่ 2. เป่าเครื่องเป่าลมเพื่อทำเพลง
เครื่องมือลมสร้างเสียงสั่นเมื่อเป่า โดยปกติจะมีรูต่างๆ มากมายเพื่อสร้างโน้ตต่างๆ ดังนั้นเครื่องดนตรีนี้จึงเหมาะสำหรับการเล่นเป็นท่วงทำนองหรือประสานเสียง เครื่องมือลมแบ่งออกเป็นสองประเภท: ขลุ่ยและท่อกก ขลุ่ยสร้างเสียงเมื่อสั่นสะเทือนทั้งตัว ขณะที่ท่อกกจะสั่นวัสดุภายในตัวเพื่อสร้างเสียง เครื่องมือทั้งสองนี้แบ่งออกเป็นสองประเภทย่อยเพิ่มเติม
- ขลุ่ยเปิดทำให้เกิดเสียงโดยการทำลายกระแสลมที่เป่าที่ส่วนท้ายของเครื่องดนตรี คอนเสิร์ตฟลุตและแพนไปป์เป็นตัวอย่างของประเภทของขลุ่ยแบบเปิด
- ขลุ่ยปิดผลิตอากาศในท่อของเครื่องมือ ทำให้เครื่องสั่น เครื่องบันทึกและอวัยวะไปป์เป็นตัวอย่างของขลุ่ยแบบปิด
- เครื่องมือกกเดี่ยววางกกบนเครื่องดนตรีที่เป่า เมื่อเป่าแล้ว กกจะสั่นอากาศภายในเครื่องเพื่อสร้างเสียง คลาริเน็ตและแซกโซโฟนเป็นตัวอย่างของเครื่องดนตรีกกเดียว (แม้ว่าตัวแซกโซโฟนจะทำจากทองเหลือง แต่แซกโซโฟนก็ยังถือว่าเป็นเครื่องดนตรีประเภทลมเพราะใช้กกในการสร้างเสียง)
- เครื่องดนตรีกกคู่ใช้กกสองอันที่ขดที่ส่วนท้ายของเครื่องดนตรี เครื่องดนตรีเช่นโอโบและบาสซูนจะวางกกทั้งสองไว้ตรงริมฝีปากของโบลเวอร์ ขณะที่เครื่องมืออย่างครัมฮอร์นและปี่ปี่จะคลุมต้นกก
ขั้นตอนที่ 3 เป่าเครื่องทองเหลืองโดยปิดปากไว้เพื่อสร้างเสียง
ซึ่งแตกต่างจากขลุ่ยซึ่งขึ้นอยู่กับกระแสลม เครื่องดนตรีทองเหลืองสั่นด้วยปากของโบลเวอร์เพื่อสร้างเสียง เครื่องดนตรีทองเหลืองมีชื่อมากเพราะส่วนใหญ่ทำจากทองเหลือง เครื่องมือเหล่านี้จัดกลุ่มตามความสามารถในการเปลี่ยนเสียงโดยการเปลี่ยนระยะทางที่อากาศไหลออก ทำได้โดยใช้สองวิธี
- Trombon ใช้กรวยเพื่อเปลี่ยนระยะการไหลของอากาศ การดึงกระบอกเสียงออกจะทำให้ระยะทางยาวขึ้นและลดระดับเสียงลง ในขณะเดียวกันการนำระยะห่างเข้ามาใกล้จะช่วยเพิ่มเสียง
- เครื่องมือทองเหลืองอื่นๆ เช่น ทรัมเป็ตและทูบา ใช้วาล์วที่มีรูปร่างเหมือนลูกสูบหรือกุญแจเพื่อยืดหรือย่นระยะการไหลของอากาศภายในเครื่องมือ วาล์วเหล่านี้สามารถกดทีละตัวหรือรวมกันเพื่อสร้างเสียงที่ต้องการ
- ขลุ่ยและเครื่องดนตรีทองเหลืองมักถูกพิจารณาว่าเป็นเครื่องลม เพราะต้องเป่าเพื่อสร้างเสียง
ขั้นตอนที่ 4 สั่นสายของเครื่องสายเพื่อสร้างเสียง
สายบนเครื่องสายสามารถสั่นได้สามวิธี: ดึง (บนกีตาร์) ตี (เช่นเดียวกับในขลุ่ย) หรือดีด (ใช้คันธนูบนไวโอลินหรือเชลโล) เครื่องสายสามารถใช้ควบคู่กับจังหวะหรือเมโลดี้ได้ และแบ่งออกได้เป็น 3 ประเภทคือ
- พิณเป็นเครื่องสายที่มีลำตัวและคอที่สะท้อน เช่นเดียวกับไวโอลิน กีตาร์ และแบนโจ มีสายที่มีขนาดเท่ากัน (ยกเว้นสายต่ำในแบนโจห้าสาย) ที่มีความหนาต่างกัน สตริงที่หนากว่าจะสร้างโน้ตที่ต่ำกว่าในขณะที่สตริงที่บางกว่าจะสร้างโน้ตที่สูงกว่า สามารถต่อสายได้หลายจุดเพื่อเพิ่มหรือลดระดับเสียง
- พิณเป็นเครื่องสายที่มีสายติดอยู่กับโครงกระดูก สายบนพิณอยู่ในลำดับแนวตั้งและสั้นลงในแต่ละช่วง ด้านล่างของสายพิณเชื่อมต่อกับตัวที่สะท้อนหรือกับซาวด์บอร์ด
- Sitar เป็นเครื่องสายที่ติดตั้งอยู่บนร่างกาย สามารถตีหรือดึงสายได้ อย่างกับพิณ หรือจะตีโดยตรงเหมือนบนขลุ่ยที่ใช้ค้อน หรือโดยอ้อมเหมือนเปียโน
คำแนะนำ
- มาตราส่วนหลักและรองตามธรรมชาตินั้นสัมพันธ์กันในข้อเท็จจริงที่ว่ามาตราส่วนรองของบันทึกย่อหลักสองรายการนั้นต่ำกว่ามาตราส่วนหลัก ซึ่งจะทำให้บันทึกย่อเดียวกันคมชัดขึ้นหรือแบนราบ ดังนั้น คีย์ของ C major และ A minor ซึ่งไม่ใช้โน้ตแบบชาร์ป/แบน มีลักษณะสำคัญเหมือนกัน
- เครื่องดนตรีบางชนิดและการผสมผสานของเครื่องดนตรีอื่นๆ เกี่ยวข้องกับดนตรีบางประเภท ตัวอย่างเช่น วงเครื่องสายที่มีไวโอลินสองตัว วิโอลาหนึ่งตัว และเชลโลหนึ่งตัว มักใช้เล่นดนตรีคลาสสิกที่เรียกว่าแชมเบอร์มิวสิก วงดนตรีแจ๊สมักสร้างจังหวะบนกลอง เปียโน เบสสองหรือทูบา และทรัมเป็ต ทรอมโบน คลาริเน็ต และแซกโซโฟน การเล่นเพลงสองสามเพลงด้วยเครื่องดนตรีที่ใช้ต่างจากที่ควรจะเป็นก็เป็นเรื่องสนุก เช่นเดียวกับ "Weird Al" Yankovic เขาเล่นเพลงร็อคโดยใช้หีบเพลงในรูปแบบลาย
